...Lagrimas ensangrentadas recorren mi palido rostro... Muerto por la tristeza de haberte perdido.... ...Otra vez...
jueves, 25 de agosto de 2011
Esta es la primera obra de Victoria Francés, que fue editada en 2004 por Norma Editorial.
En este libro se encuentra la esencia del romanticismo gótico que seguirá desarrollándose hasta el final de la trilogía. Mediante un misticismo que nos atrapa, aparecen las figuras protagonistas, en las cuales se reflejarán las formas más humanizadas de un mundo lúgubre y desconocido.
Ezequiel nos introduce en su fortaleza de tinieblas, pasiones y anhelos. Favole, materialización de la artista en la obra, encarnará un personaje singular en torno al cuál girarán también Favole 2, Libérame; y Favole 3, Gélida luz.
Al ir descubriendo al resto de personajes seremos partícipes del desarrollo de las distintas historias que nos hablarán de tragedias, amores imposibles y bellezas siniestras.
Victoria nos muestra su maestría para transmitir sensaciones que nos envolverán en muerte, dolor, soledad, melancolía, decadencia y sobre todo en un universo fantasmagórico y misterioso.
Segunda obra de Victoria Francés, que fue editada en 2005 por Norma Editorial.
Con él continuamos la historia de sus personajes principales; evocando paisajes venecianos, bosques plagados de hadas y ninfas, y castillos sumidos en soledad. Seremos partícipes del inquietante viaje que llevará a Favole en busca de su salvación.
Sufriremos la amargura del rechazo, el sabor de la venganza y sus trágicas consecuencias, y sentiremos la desesperación por conseguir, a cualquier precio, lo anhelado.
Espectros solitarios nos acompañarán a lo largo de esta travesía, generándonos inquietantes sensaciones que harán que nos traslademos a una realidad de oscuridad y ensueño.
Esta obra es la representación del amor, la pasión y la libertad, que se encargará de mostrarnos como los malditos, cuyos cuerpos deformes horrorizan a los mortales, habitan en un mundo asfixiante y doloroso, lleno de sentimientos en él que quisieron ser amados.
Victoria humaniza las figuras más oscuras y despechadas, y muestra el romanticismo más puro que se refleja en la desolación de la muerte mediante sus personajes y sus textos.
Obra de Victoria Francés, que fue editada en 2006 por Norma Editorial.
Con esta última entrega concluye la trilogía Favole. Sílfides melancólicas, paisajes oníricos, ciénagas pestilentes y bailes de máscaras entre muros nebulosos nos introducen en el último tramo de la historia de la bella Favole.
Espectros, cuyas existencias se encuentran entre la vida y la muerte; almas atormentadas, protagonizan el último tomo de Favole.
Al ir descubriendo al resto de personajes seremos partícipes del desarrollo de las distintas historias que nos hablarán de tragedias, amores imposibles y bellezas siniestras.
Desenlace final de la obra que libera, mediante imágenes, la culminación de la historia que empezó en el primer libro y que nos envolvió en la desdicha, la tristeza, la agonía, el placer, el amor, el rechazo, sentimientos románticos y góticos en estado puro.
Innumerables emociones que evocan, en cada persona, una sensación, de forma que la trilogía al completo es capaz de influir de manera distinta según su lector. Y esta es la magia de Favole; puede ser leída varias veces y cada vez descubrir un nuevo matiz, un nuevo giro, una nueva sensación, que provocará en nosotros distintos sentimientos.
VICTORIA FRANCÉS
Nacida el 25 de octubre de 1982, su infancia vivida en los bosques de Galicia y los ambientes góticos descubiertos en sus primeros viajes a París y Londres influirán en el romanticismo y el misticismo latentes en su futura labor artística. Mientras cursa estudios de Bellas Artes en la Facultad de San Carlos de Valencia, debuta profesionalmente realizando portadas, pósters y otros trabajos gráficos de encargo a través de Norma Editorial. En 2004, cuando sólo cuenta con 22 años, aparece su primer volumen de ilustraciones, Favole 1: Lágrimas de Piedra, basado en sus recuerdos de las ciudades de Venecia y Verona, acompañado de textos escritos por ella misma; la obra le consagra internacionalmente como una de las más firmes promesas en el campo de la ilustración.
Aparece su colección de pósters basados en el universo de Favole, con gran éxito entre el público. Su segundo libro de arte, Favole 2: Libérame, aparece en la primavera del 2005, siguiendo los buenos resultados de la primera parte.
En el 23º Saló del Còmic de Barcelona aparece el cuaderno Angel Wings, y la autora goza de una gran expectación en la sesión de firmas, movilizando a cientos de fieles seguidores.
En la actualidad Victoria Francés se está convirtiendo en un fenómeno más allá de la ilustración, y, para deleite de sus numerosos fans, han aparecido en el mercado europeo todo tipo de artículos variados como pósters, puzzles, banderas, chapas, pegatinas, camisetas... Recientemente, Favole ha dado el salto y ya ha empezado a publicarse en el mercado estadounidense por la prestigiosa editorial Dark Horse, que también ha lanzado diversos artículos de papelería relacionados con la obra de la joven autora.
Eh aqui alguna de sus obras:
Para finalizar una entrevista del 2004 de Luis Royo.
¿Cómo decides el motivo de tu siguiente pintura?
Esto depende mucho si se trata de un trabajo de encargo o de un proyecto personal que esté realizando en esos momentos.
En general, una idea algo abstracta ya va rondando meses por la mente antes de realizarla, al tiempo que estoy en otros trabajos. Luego paso a hacer bocetos a lápiz que también van quedando por los cajones, hasta que llego a decidir que esa idea está bastante clara como para pintarla definitivamente. Algunas de estas ideas quedan en el cajón sólo con los primeros trazos de lápiz sin que las realice, porque esa señal de semáforo en verde no aparece nunca.
En un trabajo de encargo es diferente, es mas continuado, primero te documentas, pasas a los bocetos hasta que encuentras el encaje y la idea que tu crees mejor y pasas a pintarlo, incluso teniendo en cuenta que has de adaptarte a unas fechas.
Mirar una de tus obras siempre crea historias en la mente acerca de las personas que ves y cómo han llegado a esa situación concreta. Cuando haces tu trabajo, ¿ves sólo la imagen o es toda la historia que tienes en tu cabeza la que queda capturada en esa imagen única?
Normalmente imagino en primer lugar un mundo y una estética, porque busco una llamada para los ojos del espectador. En este mundo coloco la figura que es el eje, e incluso intento encontrar un pequeño elemento principal (puede ser una mirada, la posición de unos dedos, o la empuñadura de una espada) que sea como el anzuelo, el primer punto llamativo a partir del cual la vista pueda pasear luego por toda la imagen, dándole en detalles más perdidos las claves o la descripción de ese pequeño universo.
¿Las personas de tus pinturas son reales para ti? ¿Tienen nombres? ¿Historias? ¿Futuros?
Generalmente sí, incluso en ocasiones pertenecen a pequeños cuentos que uno imagina antes de dormir e incluso a veces quedan pequeños apuntes de historias imaginarias con respecto a esa ilustración por los papeles sueltos del estudio.
Aunque todo esto no es matemático y algunas veces uno imagina una composición, la considera con fuerza y la realiza acto seguido.
La dinámica de tus imágenes es principalmente erótica y muy a menudo peligrosa, muy violenta. (Algunos otros motivos parecen relacionados con portadas de libros, y obviamente la elección del motivo no es totalmente tuya). Incluso los que parecen tranquilos y "bonitos" a primera vista, son tan potentes en una segunda mirada que cualquier palabra sería adecuada excepto "bonito". Incluso tus pinturas más hermosas y "calmadas" tienen como mínimo un detalle inquietante. ¿Puedes explicarnos por qué no haces imágenes puramente "bonitas"?
Desde luego que es así. En ningún momento busco la belleza desde un punto de vista dulce y cándido, sino una belleza compleja que busca sus orígenes en el subconsciente y por lo tanto están llenas de fantasmas y de sueños oscuros. La conexión que busco con el espectador nunca es para ofrecerle una estética suave sino para bucear juntos en nuestras partes más oscuras e incluso siniestras.
¿Cuánto tiempo trabajas en una de tus imágenes en color?
Es muy difícil establecer un tiempo fijo, porque en unas aparecen varios personajes y mucho decorado, mientras que en otras pueden ser únicamente un primer plano. Hay algunas que la idea surge en muy poco tiempo, sin embargo otras, como hemos comentado antes, llevan tiempo rondando por la cabeza y se hacen bastantes apuntes previos.
Para no eludir la pregunta, si buscáramos una media podríamos estar hablando de una semana realizando la ilustración definitiva a color.
¿Trabajas en diferentes proyectos al mismo tiempo o te concentras en una sola pintura?
El mundo profesional te obliga a trabajar en varios proyectos a la vez por cuestiones de fechas y estudios editoriales. Algunas veces pretendo que algún proyecto se haga de manera continuada y sin otros trabajos que lo interrumpan, pero a la hora de la verdad muy pocas veces se consigue.
Lo que no interrumpo es una pintura que ya esté en el tablero, en ese momento no me gusta nada realizar otra cosa entremedio.
¿Trabajas con modelos u otras fuentes de inspiración o todo lo que hay en tu obra es de tu imaginación?
Para el trabajo de encargo cuyas bases (por ejemplo de una novela) te pueden transportar a cualquier época histórica, un ilustrador debe tener una buena biblioteca de documentación. Pero también en otros trabajos fantásticos y personales es bueno según la idea a realizar, que ésta se ejecute documentada, porque por ejemplo, el que las luces de esa imagen nos de una visión creíble, es fundamental.
En mi trabajo utilizo en ocasiones fuentes de documentación para diferentes elementos, esas fuentes pueden ayudar a una imagen o a un pequeño fragmento que deseas potenciar. Con el transcurso de los años la documentación deja de ser tan necesaria. Actualmente bastantes de mis pinturas no tienen documentación, esto no quiere decir que en esta profesión deje de ser siempre positivo el poseer una buena biblioteca de información.
Sobre trabajar con modelos, hasta ahora no ha sido así, pero uno de los proyectos futuros es hacer un libro donde aparecerán sesiones fotográficas sobre los modelos y luego su conversión y derivación a imágenes y mundos fantásticos.
¿Cómo es tu relación con las pinturas terminadas? ¿Las estudias (años) después? ¿Pueden ser una inspiración para ti mismo? ¿Alguna vez las llegas a considerar definitivamente terminadas?
Normalmente cuando una imagen sale del tablero de dibujo me olvido de ella y dejo que siga su camino, porque yo ya estoy enfrascado con la que ocupa su lugar en el tablero. Pero también es cierto que después de años, si por algún motivo editorial me encuentro con algunas imágenes del pasado y tengo oportunidad me pongo a retocar.
Nunca he sabido cuando está totalmente acabada una pintura y siempre encuentro algo que retocar, y eso en mi vida cotidiana se convierte en un problema. Lo que ocurre más frecuentemente es que esa imagen la requiera la editorial y haya que mandarla, con lo que llega un momento que desaparece de tu vista, pero sino, tengo que decidir un día esconder esa imagen por los cajones para comenzar otra y así olvidarme de ella.
¿Qué pinturas tuyas son tus preferidas? ¿Hay obras que hiciste hace años que ya no te gusten?
Las preferidas siempre son ese proyecto que aún tienes en la cabeza y que no has comenzado a realizar. Sobre las pinturas del pasado, por supuesto que hay muchas que hoy no me gustan.
¿Guardas todos los esbozos y las imágenes, incluso las pequeñas, o tiras las cosas que no te gustan?
Siempre estoy ocupado en los nuevos proyectos sobre el tablero de dibujo, pero fuera del tablero hay una persona que se encarga de archivar todo lo que hago, también la editorial mantiene un seguimiento. Por tanto sí que se guarda y archiva cualquier apunte de los que hago, aunque yo no sepa la mayor parte de las veces donde están.
¿Cómo definirías la diferencia entre tu obra de hace años y la de ahora?
En el largo camino de años dedicado a esta profesión, uno pasa por diferentes etapas. En los primeros años la obra era más heroica y más colorista. Poco a poco se fue tornando más sombría tanto de concepto, de contenidos y de tonos. Después entré en unos años muy inclinado hacia el erotismo. Y en estos últimos tiempos estoy por envolver cada imagen con cuentos, referencias literarias que te inspiran, acumular más los apuntes e ideas que te rondan antes de realizarla, cambiar de soportes y técnica, etc.. Resumiendo, recrearme más en la idea y el proceso para esperar nuevas sorpresas en el tablero y que el trabajo mantenga para uno mismo esa incertidumbre necesaria.
Mucha gente lleva tus obras, o partes de ellas, como tatuaje. ¿Has conocido a alguien que lleve un tatuaje tuyo? ¿O has visto fotografías?
Por supuesto, en algunas ferias se han acercado personas que llevaban un tatuaje de alguna imagen mía. Y en revistas he visto fotos también.
¿Qué piensas al respecto? ¿Te gusta?
Que una imagen propia aparezca en cualquier soporte, sea un libro, una revista, una camiseta y por supuesto en la piel siempre es gratificante,
¿Te parece que la piel es un buen "lienzo" para tus imágenes?
No es necesario decir lo personal que es la piel y por tanto que alguien decida sobre su propia piel llevar una imagen mía da a entender el nivel de complicidad con mi trabajo de quien se hace ese tatuaje. Es como comprobar que alguien tiene en su interior las mismas obsesiones o sueños.
En la revista "Piercing" mostraron imágenes de "Skinfactory", de Alemania, que copiaron uno de tus cuadros más famosos a la realidad. Pintaron e hicieron piercing por toda la espalda de una mujer joven, exactamente de la misma manera en que tú habías pintado a la mujer en el cuadro. ¿Eso te gustó? ¿Alguna vez habías pensado que tus obras (especialmente ésta) se convertirían en algo real o pensabas que era (im)posible?
Cuando realizo una imagen intento que sea creíble en su fantasía y que sus elementos o adornos pudieran existir. Pero en el caso de la pintura que estamos hablando, nunca imaginé que alguien la llevara a la realidad. Me sorprendió mucho ver esas fotografías del proceso en la revista, me dejó boquiabierto, por la complejidad de piercing que llevaba en la espalda, que alguien hubiera decidido llevarlas a cabo y al mismo tiempo resultó agradable verlas.
¿Eres consciente (si se piensa con qué frecuencia los artistas jóvenes intentan copiar tu estilo) de que te has convertido en uno de los maestros del arte fantástico? ¿Qué te parece? ¿Lo consideras la recompensa por toda una vida de trabajo, o simplemente te irrita?
No puede irritarme que a alguien le guste mi trabajo hasta el punto de copiar el estilo, personalmente es un halago.
¿Crees que intentar copiar el estilo de otro artista es una buena forma de aprender? ¿O hay maneras mejores?
Copiar literalmente no sé si es positivo. Las influencias sí que son algo normal y se han dado en toda la historia de la pintura.
Personalmente yo me inclino por enriquecerse con diferentes fuentes: pintura, cine, literatura, libros de imágenes, de fotografía, videos musicales, etc. Todo en su conjunto te va haciendo un poso para que a la hora de realizar un trabajo, éste sea rico.
Pero sobre el aprendizaje es complicado dar unas pautas generales, cada uno tiene una forma de pasar este período.
Biografia Luis Royos
Nacido en 1954 en Olalla (provincia de Teruel), cursa en Zaragoza estudios de Delineación, Pintura, Decoración e Interiorismo, trabajando de 1970 a 1979 en un estudio dedicado a esta última actividad. A partir de 1972 se dedica a la pintura y desde 1977 publica sus primeros cómics en diversos fanzines. Con la llegada del boom del cómic adulto a principios de los años 80, Royo decide dedicarse íntegramente al cómic y publica en revistas como El Víbora, 1984, Comix Internacional, Heavy Metal y Rambla; también lanza sus primeros álbumes: Circulus-Sataka (Garcia & Beà Editores, 1985) y Desfase (Ikusager, 1986).
En 1983 ingresa en Norma Editorial, consagrándose preferentemente a partir de entonces a la ilustración. En este campo se hace notar muy pronto fuera de nuestras fronteras por su dominio del color y su habilidad para recrear escenarios fantásticos y diseñar hermosas mujeres, convirtiéndose en pocos años en uno de los más cotizados artistas gráficos españoles, realizando numerosas portadas e ilustraciones para editores de todo el mundo. En 1992 aparece su primer libro de arte, Women, que será seguido de Malefic (1994), Secrets (1996), III Millennium (1998), Dreams (1999), Prohibited Book (1999), Evolution (2001), Prohibited Book 2 (2001), Conceptions I (2002), Visions (2003), Prohibited Book 3 (2003), Conceptions II (2003) y Prohibited Sketchbook (2004). En 2004 se publica el volumen antológico Fantastic Art: Luis Royo, con una selección del material aparecido en los tomos anteriores.
Poco después surge The Labyrinth: Tarot (que también ha visto la luz en forma de una exclusiva baraja), Conceptions III (la tercera parte de su colección de bocetos, con cofre incluido), una nueva edición del apocalíptico III Millennium, y el portafolio Tattoo-Piercing Subversive Beauty, que guarda una estrecha relación con uno de sus últimos trabajos, titulado precisamente precisamente Subversive Beauty. En este libro, lleno de imágenes sensuales y provocativas, Luis Royo aborda la belleza como arma de subversión y de esplendor del ser humano, ayudándose a menudo de piercings y tatuajes que desafían a lo establecido.
En el 23º Saló del Còmic de Barcelona Royo sorprende a sus fans con dos grandes novedades: Wild Sketches, una colección innovadora que recoge en formato manga más de 600 ilustraciones/bocetos en blanco y negro, y Dark Labyrinth, un nuevo libro al estilo al que nos tiene acostumbrados, que recupera sus mejores ilustraciones (poniendo especial atención a las de más carga erótica) e incluye otras inéditas hasta la fecha. Ficomic le rinde homenaje a su dilatada carrera con una exposición de sus mejores originales.
Ese mismo año aparece el segundo volumen de Anología Luis Royo Cómics, que recoge las historietas creada por el autor desde 1981-1983. También ve la luz el segundo volumen de Wild Sketches.
Pero la gran sorpresa llega en el 25º Saló del Còmic, fecha elegida para el lanzamiento de Dome, una ambiciosa obra en la que acompañamos al autor y a su hijo Rómulo en su viaje a Moscú, donde aceptaron el titánico reto de plasmar su arte en una cúpula de 80 metros cuadrados. Una aventura sin precedentes en el mundo de la ilustración.
Su obra se encuentra asimismo en pósters, calendarios, portafolios, postales, varias series de trading cards (cromos), barajas de naipes -incluyendo la serie de cartas de tarot The Black Tarot-, carátulas para videojuegos y CDs, esculturas, etc. Su carrera ha sido galardonada con numerosos premios internacionales, incluyendo el Silver Award Spectrum y el Cheslew Award (ambos de EE.UU.).
Libros publicados
Women
Malefic
Secrets
III Millennium
Dreams
Prohibited Book
Prohibited Book II
Prohibited Book III
Prohibited Sketchbook
Evolution
Conceptions
Conceptions II
Conceptions III
Visions
Fantasic Art
The Labyrinth Tarot
Subversive Beauty
Dark Labyrinth
Wild Sketches
Wild Sketches II
Wild sketches III
Dome (junto con Rómulo Royo)
Dead Moon
En 1983 ingresa en Norma Editorial, consagrándose preferentemente a partir de entonces a la ilustración. En este campo se hace notar muy pronto fuera de nuestras fronteras por su dominio del color y su habilidad para recrear escenarios fantásticos y diseñar hermosas mujeres, convirtiéndose en pocos años en uno de los más cotizados artistas gráficos españoles, realizando numerosas portadas e ilustraciones para editores de todo el mundo. En 1992 aparece su primer libro de arte, Women, que será seguido de Malefic (1994), Secrets (1996), III Millennium (1998), Dreams (1999), Prohibited Book (1999), Evolution (2001), Prohibited Book 2 (2001), Conceptions I (2002), Visions (2003), Prohibited Book 3 (2003), Conceptions II (2003) y Prohibited Sketchbook (2004). En 2004 se publica el volumen antológico Fantastic Art: Luis Royo, con una selección del material aparecido en los tomos anteriores.
Poco después surge The Labyrinth: Tarot (que también ha visto la luz en forma de una exclusiva baraja), Conceptions III (la tercera parte de su colección de bocetos, con cofre incluido), una nueva edición del apocalíptico III Millennium, y el portafolio Tattoo-Piercing Subversive Beauty, que guarda una estrecha relación con uno de sus últimos trabajos, titulado precisamente precisamente Subversive Beauty. En este libro, lleno de imágenes sensuales y provocativas, Luis Royo aborda la belleza como arma de subversión y de esplendor del ser humano, ayudándose a menudo de piercings y tatuajes que desafían a lo establecido.
En el 23º Saló del Còmic de Barcelona Royo sorprende a sus fans con dos grandes novedades: Wild Sketches, una colección innovadora que recoge en formato manga más de 600 ilustraciones/bocetos en blanco y negro, y Dark Labyrinth, un nuevo libro al estilo al que nos tiene acostumbrados, que recupera sus mejores ilustraciones (poniendo especial atención a las de más carga erótica) e incluye otras inéditas hasta la fecha. Ficomic le rinde homenaje a su dilatada carrera con una exposición de sus mejores originales.
Ese mismo año aparece el segundo volumen de Anología Luis Royo Cómics, que recoge las historietas creada por el autor desde 1981-1983. También ve la luz el segundo volumen de Wild Sketches.
Pero la gran sorpresa llega en el 25º Saló del Còmic, fecha elegida para el lanzamiento de Dome, una ambiciosa obra en la que acompañamos al autor y a su hijo Rómulo en su viaje a Moscú, donde aceptaron el titánico reto de plasmar su arte en una cúpula de 80 metros cuadrados. Una aventura sin precedentes en el mundo de la ilustración.
Su obra se encuentra asimismo en pósters, calendarios, portafolios, postales, varias series de trading cards (cromos), barajas de naipes -incluyendo la serie de cartas de tarot The Black Tarot-, carátulas para videojuegos y CDs, esculturas, etc. Su carrera ha sido galardonada con numerosos premios internacionales, incluyendo el Silver Award Spectrum y el Cheslew Award (ambos de EE.UU.).
Libros publicados
Women
Malefic
Secrets
III Millennium
Dreams
Prohibited Book
Prohibited Book II
Prohibited Book III
Prohibited Sketchbook
Evolution
Conceptions
Conceptions II
Conceptions III
Visions
Fantasic Art
The Labyrinth Tarot
Subversive Beauty
Dark Labyrinth
Wild Sketches
Wild Sketches II
Wild sketches III
Dome (junto con Rómulo Royo)
Dead Moon
Arte Gótico
La arquitectura gótica es la forma artística sobre la que se formó la definición del arte gótico, el estilo artístico, comprendido entre el románico y el renacimiento, que se desarrolló en Europa Occidental -la cristiandad latina- en la Baja Edad Media, desde finales del siglo XII hasta el siglo XV, aunque más allá de Italia las pervivencias góticas continuaron hasta los comienzos del siglo XVI.
El vocablo «gótico» es el adjetivo correspondiente a godo y fue utilizado en este contexto por primera vez por el tratadista florentino Giorgio Vasari (1511–1574), quien en su famosa obra de biografías de pintores toscanos, incluye varios capítulos sobre el arte en la Edad Media. En sentido peyorativo usó este término para denominar la arquitectura anterior al Renacimiento, propia de los bárbaros o godos, cuyos componentes le parecían confusos, desordenados y poco dignos, por contraste a la perfección y racionalidad del arte clásico. En su propia época, se solía denominar como opus francigenum (estilo francés), por referencia al origen de la innovación. Paradójicamente, en la España del siglo XVI se calificaba al gótico final (isabelino o plateresco) como la forma de construir a lo moderno, mientras que la arquitectura clasicista que introducía el renacimiento italiano era vista como una forma de construir a la antigua o a lo romano.1
La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a la masividad y la escasa iluminación interior de sus iglesias. Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su cumbre en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendas particulares de la nueva burguesía urbana) y arquitectura militar (castillos y murallas urbanas).
Antecedentes
Los elementos esenciales que caracterizan el estilo gótico ya existían con anterioridad al nacimiento de este estilo arquitectónico, toda vez que se hallan dispersos en edificios de edades anteriores. El arco apuntado fue conocido por los egipcios, asirios, indios y persas de la dinastía sasánida, aunque su uso no era muy corriente. La arquitectura islámica también lo conoció e hizo un uso amplio de él, su ejemplo conocido más antiguo se encuentra en la Cúpula de la Roca, en Jerusalén, construido entre los años 687 y 691, otros ejemplos de gran calidad y belleza de su uso son las mezquitas de Samarra en Iraq y la mezquita de Amr en Egipto, cuyas construcciones se realizaron a mediados del siglo IX.
La bóveda de crucería, fue empleada en construcciones árabes de Córdoba del siglo IX y en algunas mozárabes del siglo X y aún virtualmente en las bóvedas romanas desde el primer siglo del Imperio cuando entraban en ellas arcos diagonales embebidos en las mismas. Los arbotantes se encuentran originariamente y de forma rudimentaria en las bóvedas de cuarto de cañón cuando sirven de contrarresto. El principio y distinción de elementos activos y pasivos que caracteriza la arquitectura ojival se extendió y aplicó por los antiguos asirios.
Parece claro que pudo existir una transmisión de estos elementos a través de las visitas realizadas por los cruzados a Jerusalén y a través del norte de África para llegar a España y de ahí al resto de Europa. Fue sin embargo la nueva relación entre todos estos elementos la que dio como resultado un nuevo tipo de edificio con unas proporciones diferentes, mucho más esbelto que los edificios románicos y con mayor luminosidad, en el que los muros pueden casi llegar a desaparecer. 2
Nacimiento
Un error mantenido hasta muy avanzado el siglo XIX, fue suponer que la arquitectura gótica había nacido en Alemania y era peculiar del genio germánico. Los alemanes, fundándose principalmente en los textos renacentistas, abogaban por qué el estilo gótico, de las grandes catedrales, se había originado a las orillas del río Rin.
El estilo gótico nació como tal, en el norte de Francia, a principios del siglo XII, como una evolución técnica de las formas de las escuelas románicas regionales, aunque ya a finales del siglo XI se había construido en Inglaterra la catedral de Durham, con bóveda de crucería y estructura gótica. En los primero momentos, en el denominado estilo de transición, que se alarga hasta finales del siglo XII, se sigue manteniendo cierta forma o fisonomía románica. Por ejemplo, en el primer gótico se mantiene una estructura de proporcionalidad, base clásica, en las fachadas, propia del románico, que se puede observar en la catedral de Notre Dame de París, que más adelante se perderá en beneficio de efectos mucho más verticales. De forma esquemática se dice que la arquitectura de este periodo es una arquitectura románica con bóvedas y arcos apuntados.
Desarollo
Al comenzar el siglo XIII el estilo gótico, denominado en este periodo, gótico clásico, llega a su perfección en las regiones de Normandía y la isla de Francia, territorio de dominio real de los alrededores de París. Desde allí se extendió a todo el resto de Francia. Se difundió durante el siglo XIII al Sacro Imperio Germánico, Inglaterra, España e Italia, llevado sobre todo por los monjes del Císter y llegó a alcanzar las islas de Rodas y Chipre y Siria transmitidos por las Cruzadas.
En los inicios del siglo XIV la arquitectura aumenta su esbeltez, tiende a la estilización, iniciándose la independización de la pintura y escultura.
A partir de la mitad del siglo XV, comienza el denominado gótico tardío, su fase más barroca con una creciente riqueza decorativa.
Catedral de Burgos
Las causas generales de este estilo han de basarse en la necesidad de mayor amplitud e iluminación en las iglesias, en el mayor desarrollo de la vida social e intelectual de la época y en la natural evolución de la arquitectura románica.
En España, tuvo principio el arte gótico puro en los primeros años del siglo XIII con la nave mayor de la catedral de Cuenca (año 1208) y las catedrales de Burgos y de León, a las cuales muy pronto siguieron las de Toledo y Burgo de Osma. Pero medio siglo antes se había desarrollado el estilo de transición con carácter verdadera y propiamente gótico, como lo prueba, entre otros monumentos, la catedral de Santo Domingo de la Calzada construida en su parte esencial entre los años 1158 y 1180.
Interpretaciones sobre los orígenes y esencia del gótico
La interpretación del arte gótico ha sido causa de enfrentamientos doctrinales a lo largo de los siglos XIX y XX, además de ser expuesta a grandes transformaciones pasando por una gran variedad de modificación en su estructura.
Interpretacion de la escuela alemana
Tiene como cabeza a Wilhelm Worringer. Se trata de una interpretación espiritualista, para la que el gótico es la expresión del alma nórdica, en oposición al alma mediterránea o clásica. Entre los antecesores de esta línea se encuentran autores del siglo XVIII que se oponen a la predominancia del gusto francés. Es significativo, en este contexto, el encuentro entre Johann Gottfried Herder y Johann Wolfgang von Goethe ante la Catedral de Estrasburgo en 1770, en que Herder le hará ver a Goethe la sublimidad de ese arte alemán.
Esta línea de interpretación ha sido seguida por algunos historiadores del siglo XX, como Max Dvořák, Wilhelm Pinder y, Hans Seldmayr. La concepción germánica del arte gótico presta atención a las ideas y no tanto a los medios técnicos para su realización. Las formas solo interesan en relación con su significación mental.
Interpretacion de la escula francesa
Tiene como cabeza a Viollet-le-Duc. Esta línea ha sido seguida por relevantes historiadores de la Escuela de Archiveros de París, Quicherat, Félix de Verneiuil y después Lasteyrie y Enlart, que defienden la teoría funcional. Se ha caracterizado por poner el acento en la técnica, en los procesos de construcción y sus condicionamientos formales. Han determinado el origen territorial y técnico del estilo.
Interpretacion de panofsky
Erwin Panofsky en su obra Arquitectura gótica y pensamiento escolástico establece una analogía entre la arquitectura gótica y el sistema de pensamiento escolástico. Según Panofsky, la catedral gótica se trata de una summa de saberes, que constituye un conjunto inteligible, que participa de una estructura mental común. Se basa en la idea de totalidad.
El vocablo «gótico» es el adjetivo correspondiente a godo y fue utilizado en este contexto por primera vez por el tratadista florentino Giorgio Vasari (1511–1574), quien en su famosa obra de biografías de pintores toscanos, incluye varios capítulos sobre el arte en la Edad Media. En sentido peyorativo usó este término para denominar la arquitectura anterior al Renacimiento, propia de los bárbaros o godos, cuyos componentes le parecían confusos, desordenados y poco dignos, por contraste a la perfección y racionalidad del arte clásico. En su propia época, se solía denominar como opus francigenum (estilo francés), por referencia al origen de la innovación. Paradójicamente, en la España del siglo XVI se calificaba al gótico final (isabelino o plateresco) como la forma de construir a lo moderno, mientras que la arquitectura clasicista que introducía el renacimiento italiano era vista como una forma de construir a la antigua o a lo romano.1
La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a la masividad y la escasa iluminación interior de sus iglesias. Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su cumbre en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendas particulares de la nueva burguesía urbana) y arquitectura militar (castillos y murallas urbanas).
Antecedentes
Los elementos esenciales que caracterizan el estilo gótico ya existían con anterioridad al nacimiento de este estilo arquitectónico, toda vez que se hallan dispersos en edificios de edades anteriores. El arco apuntado fue conocido por los egipcios, asirios, indios y persas de la dinastía sasánida, aunque su uso no era muy corriente. La arquitectura islámica también lo conoció e hizo un uso amplio de él, su ejemplo conocido más antiguo se encuentra en la Cúpula de la Roca, en Jerusalén, construido entre los años 687 y 691, otros ejemplos de gran calidad y belleza de su uso son las mezquitas de Samarra en Iraq y la mezquita de Amr en Egipto, cuyas construcciones se realizaron a mediados del siglo IX.
La bóveda de crucería, fue empleada en construcciones árabes de Córdoba del siglo IX y en algunas mozárabes del siglo X y aún virtualmente en las bóvedas romanas desde el primer siglo del Imperio cuando entraban en ellas arcos diagonales embebidos en las mismas. Los arbotantes se encuentran originariamente y de forma rudimentaria en las bóvedas de cuarto de cañón cuando sirven de contrarresto. El principio y distinción de elementos activos y pasivos que caracteriza la arquitectura ojival se extendió y aplicó por los antiguos asirios.
Parece claro que pudo existir una transmisión de estos elementos a través de las visitas realizadas por los cruzados a Jerusalén y a través del norte de África para llegar a España y de ahí al resto de Europa. Fue sin embargo la nueva relación entre todos estos elementos la que dio como resultado un nuevo tipo de edificio con unas proporciones diferentes, mucho más esbelto que los edificios románicos y con mayor luminosidad, en el que los muros pueden casi llegar a desaparecer. 2
Nacimiento
Un error mantenido hasta muy avanzado el siglo XIX, fue suponer que la arquitectura gótica había nacido en Alemania y era peculiar del genio germánico. Los alemanes, fundándose principalmente en los textos renacentistas, abogaban por qué el estilo gótico, de las grandes catedrales, se había originado a las orillas del río Rin.
El estilo gótico nació como tal, en el norte de Francia, a principios del siglo XII, como una evolución técnica de las formas de las escuelas románicas regionales, aunque ya a finales del siglo XI se había construido en Inglaterra la catedral de Durham, con bóveda de crucería y estructura gótica. En los primero momentos, en el denominado estilo de transición, que se alarga hasta finales del siglo XII, se sigue manteniendo cierta forma o fisonomía románica. Por ejemplo, en el primer gótico se mantiene una estructura de proporcionalidad, base clásica, en las fachadas, propia del románico, que se puede observar en la catedral de Notre Dame de París, que más adelante se perderá en beneficio de efectos mucho más verticales. De forma esquemática se dice que la arquitectura de este periodo es una arquitectura románica con bóvedas y arcos apuntados.
Desarollo
Al comenzar el siglo XIII el estilo gótico, denominado en este periodo, gótico clásico, llega a su perfección en las regiones de Normandía y la isla de Francia, territorio de dominio real de los alrededores de París. Desde allí se extendió a todo el resto de Francia. Se difundió durante el siglo XIII al Sacro Imperio Germánico, Inglaterra, España e Italia, llevado sobre todo por los monjes del Císter y llegó a alcanzar las islas de Rodas y Chipre y Siria transmitidos por las Cruzadas.
En los inicios del siglo XIV la arquitectura aumenta su esbeltez, tiende a la estilización, iniciándose la independización de la pintura y escultura.
A partir de la mitad del siglo XV, comienza el denominado gótico tardío, su fase más barroca con una creciente riqueza decorativa.
Catedral de Burgos
Las causas generales de este estilo han de basarse en la necesidad de mayor amplitud e iluminación en las iglesias, en el mayor desarrollo de la vida social e intelectual de la época y en la natural evolución de la arquitectura románica.
En España, tuvo principio el arte gótico puro en los primeros años del siglo XIII con la nave mayor de la catedral de Cuenca (año 1208) y las catedrales de Burgos y de León, a las cuales muy pronto siguieron las de Toledo y Burgo de Osma. Pero medio siglo antes se había desarrollado el estilo de transición con carácter verdadera y propiamente gótico, como lo prueba, entre otros monumentos, la catedral de Santo Domingo de la Calzada construida en su parte esencial entre los años 1158 y 1180.
Interpretaciones sobre los orígenes y esencia del gótico
La interpretación del arte gótico ha sido causa de enfrentamientos doctrinales a lo largo de los siglos XIX y XX, además de ser expuesta a grandes transformaciones pasando por una gran variedad de modificación en su estructura.
Interpretacion de la escuela alemana
Tiene como cabeza a Wilhelm Worringer. Se trata de una interpretación espiritualista, para la que el gótico es la expresión del alma nórdica, en oposición al alma mediterránea o clásica. Entre los antecesores de esta línea se encuentran autores del siglo XVIII que se oponen a la predominancia del gusto francés. Es significativo, en este contexto, el encuentro entre Johann Gottfried Herder y Johann Wolfgang von Goethe ante la Catedral de Estrasburgo en 1770, en que Herder le hará ver a Goethe la sublimidad de ese arte alemán.
Esta línea de interpretación ha sido seguida por algunos historiadores del siglo XX, como Max Dvořák, Wilhelm Pinder y, Hans Seldmayr. La concepción germánica del arte gótico presta atención a las ideas y no tanto a los medios técnicos para su realización. Las formas solo interesan en relación con su significación mental.
Interpretacion de la escula francesa
Tiene como cabeza a Viollet-le-Duc. Esta línea ha sido seguida por relevantes historiadores de la Escuela de Archiveros de París, Quicherat, Félix de Verneiuil y después Lasteyrie y Enlart, que defienden la teoría funcional. Se ha caracterizado por poner el acento en la técnica, en los procesos de construcción y sus condicionamientos formales. Han determinado el origen territorial y técnico del estilo.
Interpretacion de panofsky
Erwin Panofsky en su obra Arquitectura gótica y pensamiento escolástico establece una analogía entre la arquitectura gótica y el sistema de pensamiento escolástico. Según Panofsky, la catedral gótica se trata de una summa de saberes, que constituye un conjunto inteligible, que participa de una estructura mental común. Se basa en la idea de totalidad.
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